Quand’ero ragazzo, beatlesiano convinto, mi metteva un po’ di soggezione un bel faccione con pipa che nelle vetrine dei negozi di dischi ogni tanto appariva. Era quello di George Brassens di cui, quando nelle chiacchierate saltava fuori il suo nome, suscitato dal Fabrizio genovese, sempre con gran rispetto si diceva “ah George Brassens”. In realtà, a parte qualche versione di De André, pochissimi lo avevano ascoltato e, quando lo si ascoltava, venivano in mente le freddure di cui Woody Allen aveva costellato i suoi primi film a proposito di quelli francesi. Insomma quell’aura mezza urbana e mezza campagnola, ma sempre intellettuale, tra engagement ed esistenzialismo mi (ci) appariva come la sublimazione della noia, l’esaltazione di un certo grigiore di fronte alla multicolore psichedelia. Ovviamente non parlare il francese contava non poco. Ma lasciando da parte l’ironia newyorchese ed i radicalismi adolescenziali, la realtà è che alla tradizione musicale francese dobbiamo molto.
Da quando il primo chansonnier moderno, Aristide Bruant, iniziò ad esibirsi nelle strade, nei locali parigini, con cappello, sciarpa e mantello, come immortalato dal manifesto di Toulouse-Lautrec, la storia della canzone subì una forte accelerazione. Lui è stato il primo che conosciamo a eseguire esclusivamente brani suoi, ed è con questa identificazione tra autore e interprete, con questa personalizzazione totale, che la canzone uscì dalla semplice parodia del cabaret e si immise sulla strada del canzoniere poetico. 
Fu così che la canzone allontanandosi, ma senza dimenticarsene, da quella che era stata la strada maestra e cioè la tradizione folk, si indirizza verso la sua versione moderna che non a caso acquisirà il nome di chanson. È il superamento della ballad, cioè l’emancipazione dal cantare epico-collettivo per congiungersi alla lezione della poesia moderna, in cui il protagonista è l’io individuale. L’io era certo presente anche nelle magnifiche ballad anglosassoni, che assieme alla musica da danza scozzese e irlandese rappresentano l’ingrediente principale dello sviluppo della canzone americana lato white, ma quell’io era una sorta di voce che rappresentava vicende comuni, affondamenti di navi, morti in miniera, carestie, l’io di Bruant è invece proprio lui, con le sue rabbie, le sue idiosincrasie, le sue gioie. Nei suoi spettacoli allo Chat Noir, Bruant è il protagonista assoluto, il suo spettacolo è “caratterizzazione personale fatta di voce, atteggiamento, aspetto fisico” che rendono “obbligatoria l’identificazione tra autore e interprete”.
A partire dal primo novecento lo stile Bruant si è ovviamente contaminato con il pop, con la canzone americana “crooner”, con il jazz, con il musical e quant’altro ma il concetto base ha continuato a diramarsi in tanti cantanti fino alla fine degli anni 70 e non solo in Francia. Ma la Francia è stata per lunghi anni la regina e, a partire dall’ultimo ventennio dell’ottocento, il viale della canzone d’oltralpe si è arricchito di grandi alberi che ne costellano il lungo percorso, con cime splendenti, come Trenet, Brel, Brassens, Bécaud, Aznavour, fino alle moderne mescolanze di un tizio di nome Serge Gainsbourg.
Uno di questi è Jean Ferrat, chansonnier dai grandi baffi, figlio di un ebreo russo deportato ad Auschwitz, comunista per tutta la vita, oltre ogni ragionevolezza, amante della montagna, dove visse per quarant’anni, nel paesino di Antraigues, terra di castagne e segale, snobbando Parigi e la lumière. Autore di canzoni importanti per la società francese come “Ma France” dove criticava apertamente De Gaulle, come “La montagne” contro lo spopolamento rurale, ma soprattutto come “Nuit et Brouillard” del 1963, una canzone dedicata alla Shoah e a suo padre, in un’epoca ancora piuttosto sorda su tale richiamo. Fu molto vicino ad Aragon, con cui condivideva la passione politica, e alle sue poesie dedicò ben due album, musicandole con rigore e sensibilità.
Les Poètes è tratta dal primo album del 1971 ma ne esiste anche una versione emozionante live del 1989, ed è realizzata con poco, una chitarra, archi lievi, voce profonda. Aragon la dedica ai suoi colleghi, ai poeti, e per la precisione alla morte solitaria di quattro poeti, Villon, García Lorca, Desnos e Machado. Il primo morto impiccato, il secondo assassinato dai franchisti, il terzo morto di tifo nel campo di concentramento di Terezin, il quarto morto in esilio.
Aragon sostiene che i poeti non hanno una tomba perch ...[continua]

Esegui il login per visualizzare il testo completo.

Se sei un abbonato online, clicca qui accedere, oppure vai alla pagina Abbonamenti per acquistare l'abbonamento online.
Gli abbonati alla rivista hanno diritto all'abbonamento online gratuito!